À travers l’océan, au centre de la scène 

Hraban Luyat et sa percée à New York

Mes amis, aujourd’hui j’ai le plaisir d’interviewer quelqu’un qui fait des vagues de l’autre côté de l’Atlantique, à New York. Hraban Luyat, un acteur franco-néerlandais qui ne passe pas inaperçu grâce à ses récentes performances, est avec nous. De Shakespeare aux pièces contemporaines, il a vraiment tout fait. Mais c’est surtout son rôle dans la pièce Moscow Moscow Moscow Moscow Moscow Moscow de Halley Feiffer au Herbert Von King Cultural Center qui a attiré l’attention de tout le monde. J’ai donc tenu à m’asseoir avec lui pour découvrir ce qui s’est passé cette dernière année. Hraban, bienvenue ! Allons-y sans plus tarder.

Alors Hraban, tu as été très occupé à New York ! Je suis impatient d’en savoir plus à ce sujet, mais d’abord, j’aimerais en savoir plus sur ton temps en France. Tu parles couramment le français, peux-tu nous en dire un peu plus sur tes expériences ici ?

Ma mère est née et a grandi en France, dans une famille mi-française, mi-italienne. À 19 ans, elle a déménagé à Amsterdam et a décidé d’y rester, mais bien sûr, toute sa famille est restée en France. Elle m’a élevé de manière bilingue et m’a envoyé chaque vacances chez ma famille tout seul. Mon père n’étant pas dans l’équation, ma famille « française » est la seule que j’ai. Inutile de dire que mon lien avec la France est profond. Je parle couramment le français, ma famille est française, j’ai passé une grande partie de mon enfance là-bas : je suis français.

Quand j’ai commencé à y aller vers l’âge de cinq ans, j’ai essayé d’enseigner le néerlandais à tout le monde, mais cela n’a pas vraiment bien fonctionné, alors j’ai fini par apprendre le français à la place.

Qu’est-ce qui t’a poussé à choisir New York pour votre déménagement plutôt qu’une autre ville européenne ou, disons, l’une de tes villes d’attache ?

J’ai passé beaucoup de temps à faire du théâtre à Londres, au Royaume-Uni en fait. Surtout avant le Brexit, Londres avait tout : des liens avec les États-Unis, l’UE, une scène théâtrale incroyablement riche en elle-même, le pays de Shakespeare, Marlowe, Webster, Oscar Wilde, la liste est longue. Le Royaume-Uni est de classe mondiale, et ça offre tout ce qu’on peut imaginer. Je me verrais tout à fait vivre à Londres.

Mais je finis par monter beaucoup plus de pièces de théâtre à New York. Je ne sais pas si c’est le public, les autres créateurs de théâtre, ou autre chose, mais je travaille beaucoup mieux ici, tant en quantité qu’en qualité. Peut-être est-ce cette « énergie » dont on parle toujours ? Peut-être est-ce aussi parce que je parle et joue beaucoup plus comme un Américain qu’un Britannique, il y a aussi ça évidemment. J’ai l’impression qu’il est plus facile d’adopter un accent américain pour un étranger qu’un accent britannique.

New York n’est peut-être pas la plus grande ville du monde (ce titre revient à Waterloo, Wisconsin – ceux qui savent, savent), mais c’est définitivement le meilleur endroit pour moi en ce moment. Je me connecte avec les gens ici à un niveau que je n’ai jamais trouvé ailleurs. Je pense secrètement que c’est parce que les Américains sont tout simplement plus généreux que les Européens, mais ne le dites à personne.

Je le promets! Commençons avec Moscow Moscow Moscow Moscow Moscow Moscow—qu’est-ce qui t’a attiré vers le rôle de Kulygin, et comment as-tu abordé la création de ce personnage?

Voilà une sacrée question pour commencer ! C’est ma collègue et amie Masha Zhak qui m’a fait découvrir Moscow Moscow pour la première fois. Elle avait déjà produit une pièce du même dramaturge, Halley Feiffer, qui était venue en personne voir la production et qui avait donné son approbation enthousiaste. Pour cette pièce, Masha cherchait à parvenir encore plus grand, mieux et plus fort. Il n’y avait pas de meilleure personne que Masha Zhak pour réaliser cela. Six mois de travail de production intense plus tard, le résultat est une production en or massif : l’illustre Elizabeth Shepherd dans le rôle d’Anfisa ; Stephen White (qui a travaillé dans le département artistique de « Good Time » avec Robert Pattinson) a créé un décor iconique ; nous jouons dans le Proscenium le plus incroyable de Brooklyn – le Herbert von King Cultural Arts Center ; notre réalisateur impeccable Joe Goscinski est aussi le meilleur coach vocal au monde actuellement ; et la liste continue.

Dans un tel environnement, il n’y a qu’une seule voie possible : celle de la montée. Travailler plus dur, faire mieux, se surpasser, permettre aux autres de te relever et les relever en retour. Et c’est une bénédiction pour le travail sur le personnage, car tu es plongé dans un tourbillon d’énergie et d’activité tel que tu peux découvrir un personnage simplement en étant toi-même dans une nouvelle circonstance.

Moscow Moscow illustrait parfaitement l’expression « le tout est plus que la somme de ses parties ». Je suis honoré d’en avoir fait partie.

Ce n’est pas ta première expérience avec des rôles exigeants. En quoi la préparation pour Kulygin diffère-t-elle de celle pour un personnage comme Michael dans A Sketch of New York ou Leonato dans Much Ado About Nothing ?

Laisse-moi me concentrer sur Kulygin et Leonato un instant ; en apparence, ils ne pourraient pas être plus différents, n’est-ce pas ? L’un est un mari trompé et ridicule, tout en bas de l’échelle du respect, tandis que l’autre est le gouverneur de Messine, chef de sa province et de sa maison, aimé de sa famille et de ses compatriotes. Et pourtant, ils sont tous deux complètement aveugles à ce qui se passe juste sous leur nez. Ils ont tous les deux un désir très fort de bien faire, mais ils ont du mal à savoir ce que cela signifie. Chacun d’eux voit la personne la plus importante de leur vie souffrir énormément, et se sent complètement impuissant à l’aider. Ce que je veux dire, c’est qu’ils partagent une même humanité, c’est l’essence, c’est l’origine. Tout le reste, toutes ces différences, c’est l’éducation. Donc, la différence, à mon avis, réside seulement dans les parties d’eux-mêmes qu’ils ont appris à censurer, le personnage qu’ils se sont inventés.

Et Michael, eh bien, Michael s’amuse juste. Pas de secrets là, haha.

L’ambiance de Moscow Moscow Moscow Moscow Moscow Moscow semble assez intense mais aussi décalée. As-tu eu des moments particuliers pendant les répétitions ou les représentations où tu as dû t’arrêter et penser : « Attends, mais nous sommes fous » ?

Ce n’est pas la première fois qu’on me pose cette question. Et la réponse est : OUI ! Tout le temps ! Si jamais tu ne ressens pas ça, c’est que tu es mal barré. Chaque répétition doit être un véritable désastre, exagérée, déjantée, bizarre, inconfortable, et chaque représentation aussi. Personne ne paie pour te voir à l’aise sur scène. Le boulot de toute l’équipe de production, c’est de rendre les acteurs aussi inconfortables que possible sur scène, et tout commence avec le dramaturge.

Inconfortable, mais sans tension. Détendu. Mais pas à l’aise. C’est ça, le truc.

Ton rôle dans Much Ado About Nothing était dans une comédie shakespearienne, alors que la pièce Moscow Moscow Moscow Moscow Moscow Moscow est une interprétation moderne de Tchekhov. As-tu l’impression de devoir changer complètement de registre, ou trouves-tu des similitudes dans ta manière de travailler ?

Ce n’est pas facile à dire. En fait, c’est un peu des deux. D’un côté, les personnages ne sont pas dans une comédie. Ne joue pas les blagues. La comédie se joue entre le dramaturge et le public, et ce qui la rend drôle, c’est que les personnages traitent le sujet avec le plus grand sérieux et une importance capitale.

Maaiiis… Évidemment, une comédie reste une comédie et un drame reste un drame. La différence la plus importante est probablement assez ennuyeuse : la vitesse. La comédie est un peu plus rapide. Si tu peux livrer la punchline juste avant que le public ne la devine, tu permets à la blague de faire mouche. Ce n’est pas pour dire que tu devrais prendre d’énormes pauses dans un drame, mais tu peux adopter un rythme « normal ».

À part cette question technique, j’essaie autant que possible de ne pas « savoir » si c’est une comédie ou un drame, et de laisser le dramaturge et le public en juger. Je suis juste là pour m’immerger dans la situation. Si c’est drôle, cela ne le sera pas pour moi. Même chose pour le drame, d’ailleurs ; si tu es là à pleurer toutes les larmes de ton corps, tu en prives le public. Passe ce moment un peu plus vite que tu ne le penses et laisse le public se dire, eh, attends une seconde, mais c’était horrible, ça !

Trouver l’équilibre entre le théâtre classique et contemporain peut sembler une tâche ardue. Quel est ton secret pour garder les choses fraîches et passionnantes, surtout avec des rôles si variés ?

Ne fais que des classiques et oublie le reste ! Je plaisante, mais peut-être pas… Ce sont des classiques pour une raison. La narration fait partie intégrante de notre ADN humain et la clé réside dans ces œuvres. Ce sont elles qui ont résisté à l’épreuve du temps. Qu’est-ce qui, en elles, a captivé notre attention pendant des siècles, voire des millénaires ? Cherche cela, et tu le retrouveras partout dans nos œuvres modernes. Et fais ensuite le lien entre elles : c’est là que réside l’essence de ce que nous sommes en tant qu’êtres humains. Lorsque ces histoires ont été jouées pour la première fois, elles étaient modernes. Alors pourquoi devraient-elles être considérées comme anciennes maintenant ? Parce qu’on les a trop souvent appréciées ? Les histoires ne s’usent pas. Elles se bonifient avec le temps. Nous ne sommes pas différents de nos ancêtres, et nous aimons ces histoires pour les mêmes raisons.

À propos de New York, quelle a été ta partie préférée de travailler dans le Big Apple jusqu’à présent ? Y a-t-il des moments qui te marquent particulièrement ?

Les nuits tardives à Pieces, les sans-abri montrant leurs parties intimes aux passants, les longues discussions sur des théories du complot sans jamais vraiment savoir si ton interlocuteur y croit vraiment ou si c’est juste une blague—cette ville n’a pas de fin. C’est comme un fractal. Quelqu’un a calculé un jour le nombre de restaurants dans la ville et la durée de vie moyenne des nouveaux établissements, et a conclu que même si tu prenais tous tes déjeuners et dîners dans un restaurant différent chaque jour, tu ne pourrais jamais rattraper le rythme des ouvertures et des fermetures. Pour moi, c’est une magnifique métaphore de la vie ici.

Mais c’est aussi en grande parti, grâce aux Américains, le peuple le plus facile à vivre du monde.

Et pour la suite, quels sont tes projets ? Y a-t-il des choses à venir que nous devrions surveiller de près ?

Le Physfest est de retour, mon pote ! Je suis tellement excité que je ne sais même pas si j’ai le droit d’en parler, mais je m’en fiche. C’est du vrai théâtre : du mouvement, l’utilisation du corps, l’exploration de nouveaux horizons. Bill Bowers est le meilleur parmi les meilleurs, et tous ceux qui participent à ce festival sont tout simplement de classe mondiale. Des praticiens incroyables. J’ai la chance de faire partie de cette aventure et je compte les jours jusqu’aux répétitions.

Enfin, pour ceux qui n’ont pas encore eu la chance de te voir en spectacle—à quoi peuvent-ils s’attendre lorsqu’ils viennent te voir sur scène ? Un dernier mot pour ton public à la maison ?

Tout ce que je fais, c’est uniquement parce que j’ai appris en travaillant avec des personnes bien meilleures que moi. Celeste Moratti, Lawrence Carmichael, Anton Saunders, Joe Goscinski, Rebecca Frank, Anna-Helena McLean, etc., etc., etc. Sauf si je fais une erreur—là, c’est entièrement de ma faute. Donc, si jamais tu as l’occasion de travailler avec ces icônes ou de voir leur travail quelque part, fonce ! Je serai probablement là aussi.

Hraban, c’était un plaisir de suivre ton parcours. Ton travail à New York fait clairement sensation, et c’est passionnant de voir où cela te mènera par la suite. Pour nous qui te suivons depuis la France, c’est inspirant de voir un acteur français s’épanouir sur la scène internationale. Nous n’allons pas manquer tes prochains projets. Merci de nous avoir accordé cette interview, et merde pour ta prochaine performance !